La Evolución Del Arte En Vallarta
Desde su aparición, hace aproximadamente treinta años, el arte en Puerto Vallarta ha madurado en varios aspectos. Empezando con una galería en 1971, hasta más de veinte en éste, el primer año del nuevo milenio, las galerías y sus artistas se han desarrollado para brindar cultura a la comunidad haciéndola sensible al arte.
By Marla Hoover
Posted Friday, January 1, 1999
Desde su aparición, hace aproximadamente treinta años, el arte en Puerto Vallarta ha madurado en varios aspectos. Empezando con una galería en 1971, hasta más de veinte en éste, el primer año del nuevo milenio, las galerías y sus artistas se han desarrollado para brindar cultura a la comunidad haciéndola sensible al arte.
Al ver la necesidad de un foro para exhibir el abundante talento de Vallarta, Jan Lavender, propietaria de Galería Uno, abrió el primero. En su opinión, la razón del éxito continuo de la comunidad artística en general es que "este lugar es muy agradable para vivir y trabajar. Por otro lado, gracias a la exposición internacional, el arte se ha multiplicado pues existe un mercado. El arte se alimenta de sí mismo: es exponencial; además, contribuye a la calidad de vida de vistantes y residentes". Un avance obvio se refiere a los numerosos géneros artísticos que hoy se pueden encontrar en Vallarta. Existen galerías donde se aprecia el arte indígena de los huicholes; mientras que en las galerías de arte folklórico, podemos admirar objetos fabricados con las técnicas centenarias heredadas de generación en generación. Existen además galerías donde la plata se trabaja en piezas de joyería únicas o pequeñas esculturas. El vidrio como medio artístico tiene una gran presencia. La Galería EM, por ejemplo, crea vitrales por encargo en vidrio biselado y emplomado y ofrece además piezas de arte en este material realizadas por sus artesanos. Antigüedades mexicanas y objetos bellos provenientes de todo el mundo, ambos de una gran calidad, así como obra gráfica de grandes maestros como Diego Rivera, se exhiben en galería de Galerie des Artistes; mientras que la popular cerámica de Mata Ortiz se encuentra en Galería de Ollas. Estos establecimientos especializados han contribuido a que la oferta de arte se diversifique.
La producción artística que permanece en Vallarta ha aumentado considerablemente. La razón no es tan sólo la calidad y cantidad de arte disponible, sino el hecho de que más y más gente está haciendo de Vallarta su hogar -si no de manera permanente, sí durante la mayor parte del año- y desea llenar sus casas con el arte que expresa su estilo de vida. Otro factor importante es la popularidad actual del arte latinoamericano, que ha venido aumentando en los últimos años y al que Lavender describe como "vital, de gran calidad, que no deriva de otros artistas o géneros, pero se sostiene en sus propios pies". Muchos artistas representados por las galerías vallartenses tienen obra en toda la bahía y en el extranjero.
El arte atractivo para un público más joven y alternativo también se encuentra aquí. De acuerdo a Susan Burger de Camacho de Galería Arte Latinoamericano, "Hay cosas nuevas, de presencia audaz, extremadamente contemporáneas y realizadas por artistas jóvenes; se trata de una obra que refleja la personalidad del coleccionista y se torna día a día más popular". Las galerías representan ahora artistas jóvenes como Fernando Sánchez de galería Arte Latinoamericano y otros talentos cuya obra se empieza a conocer localmente.
El arte tridimensional gana adeptos en el mercado. Claire y Joe Guarniere, propietarios de Galleria Dante -la única en Puerto Vallarta dedicada exclusivamente a la escultura- afirman, "Estamos viendo ahora compradores de pintura interesados en la escultura a la que consideran como una alternativa, un complemento a su colección de arte unidimensional. También observamos que cada vez más piezas permanecen en Puerto Vallarta. Los escultores como Gabriel Colunga, Jonás Gutiérrez, Octavio González y Adrián Reynoso contribuyen a la calidad de vida en Vallarta por las piezas que han donado al público y los coleccionistas desean poseer una para sí mismos".
A medida que Puerto Vallarta continúe atrayendo más artistas de diferentes sitios de la región y del mundo, la diversidad y el interés en la cultura seguirá creciendo, contribuyendo así a las cualidades del área y enriqueciendo la vida de todos. El arte probará una vez más su trascendencia en el tiempo en un proceso que le es propio.
Han trascurrido cuatro meses del año 2006 y espero que el mes de Mayo pueda contar mi Web, este trabajo lo esta desarrollando mi hijo Juan Antonio, que desde el año 1995 esta colaborando en todo cuanto yo he participado, como fue, los III volúmenes que corresponden al proyecto de la Facultad de Bellas Artes y Diseño para la ciudad de Málaga. Gracias a su colaboración y al respaldo de dos Asociaciones: Pro-CAC y F.BB AA, de la que fui vocal, en la que también colaboró APLAMA, de la que soy socio fundador. El hecho de contar de forma desinteresada con mi hijo me permitió la dedicación plena a este proyecto, que en el curso 2005-06 se puso marcha en la Universidad de Málaga.
Fue a la raíz de la terminación de este proyecto, cuando determine mi «evolución». Puse tanto empeño en ello, que en el 2002, recibo una carta de la UCM, con motivo de que tenía pendiente mi Tesis para alcanzar el título de Doctor, desarrollando mi investigación sobre la “pintura mural” en Arte Sacro. Acepté poner en marcha mi tesis, y en mi tercer viaje a Madrid, me planteé su abandono con objeto de continuar con mi evolución en arte. Una prolongada reflexión me permitió continuar con mi «evolución», se trataba de dos estudios prolongados, pero sin duda pesó más el significado cultural de la época en la que aun vivía para no abandonar el proyecto más importante de mi vida artística como es mi evolución en arte. A sabiendas que esta determinación podría ser fructífera si rebasaba los años que corresponden a una investigación de esta envergadura.
He querido dejar constancia en este ensayo, el agradecimiento a mi hijo Juan Antonio y también, el poner de manifiesto que el proyecto de «evolución» me ha permitido, poder hacer realidad un sueño que me persiguió durante toda la vida, se trata de la investigación en arte que me permitiese realizar creaciones que afectaran a todos los géneros del arte y que se encontrasen en consonancia con el arte contemporáneo, a mi personalmente, me agrada más que el resultado de mi investigación, que sea un producto del milenio tercero, de la época en la que he tenido la gran suerte de vivir, actualmente en su sexto año.
Desde mi época de estudiante en Bellas Artes, tuve la predilección por el arte sacro, sobre todo, al que se aplica en la pintura moral, sobre este tema, cuento con dos proyectos, que considero fundamentales, uno en el año 1974-75, en el monasterio del Saliente, Albox, Almería y otro en 1994 para la Iglesia de Dalias, Almería. Proyectos que fueron rechazados en su día de forma muy significativa, por lo que conocemos como “Hermandades”...
Dentro del marco de mi «evolución», realicé obras de arte sacro, con el fín de poder comprobar hasta donde podía llegar en dicha materia, relacionándose estos trabajos con los realizados con los criterios y conceptos que había logrado alcanzar en mi evolución.
En el año 2006, esta surgiendo una definición donde el concepto ha superado a la síntesis, sin duda porque esta surgiendo el fruto de la semilla del curso, que me permitió, continuar suprimiendo una serie de dudas correspondientes a la teoría estética. Se trata de los estudios realizados en el Curso de Experto Universitario, en teoría estética y arte contemporáneo. Hay una maduración de lo estudiado y además yo continué la marcha de mi investigación en mi estudio, con un seguimiento sobre las obras realizadas.
En el periodo de Junio de 2005, hasta Abril de 2006, se ha producido un gran cambio con respecto a mis criterios y conceptos que durante los cinco años anteriores había logrado. Posiblemente el gran interés de actualizar prácticamente lo estudiado durante el curso, me ha permitido expresarme con una libertad que jamás había tenido con anterioridad. Mi gran lucha ha sido el poder mantener con toda firmeza el título de las obras que realizo por respeto al espectador al fin y al cabo este representa a la sociedad y es el que asume la responsabilidad de cómo funciona la cultura, si esta se toma como abierta a la ciudad o cerrada hacia un grupo que cree ser de élite, cuando en realidad tarde o temprano, es la cultura la que va a permitir que en el futuro, las obras actuales logren formar parte de la historia de una época.
Para ello voy a confesar que han surgido una serie de obras abstractas con sus correspondientes títulos, comprobando que incluso personas que son espectadores y no especialistas en arte, la han comprendido, pongo como ejemplo, la obra titulada el «Burladero». Dicha obra, cuenta con dos colores solo: el albero y la barrera, lo demás no queda más remedio que ver la obra para comprender que una obra puramente abstracta se transforma, en una obra nueva de fácil lectura.
En otros de mis ensayos, realicé un relato sobre Heidegger: «el tiempo como horizonte del Ser». En la que Heidegger reconocía que el pasado, el presente y el futuro, forman parte inextricable y significativa de nuestra forma de ser.
Ahora es cuando en realidad he llegado a comprende, el contenido de mi biblioteca que me ha permitido sin proponérmelo reunir en ella obras muy estimadas y muy serias, que permiten planificar cualquier trabajo y que este en su contenido se encuentre eficazmente respaldado por las obras que guardo, sobre todo me refiero al ámbito del arte, donde la filosofía juega un papel fundamental en una investigación.
Precisamente la lectura es el pacto fundamental para que se consolidase la «evolución», y que este sea una realidad, para mi existe esta creencia actual, pero según transcurren los días surgen nuevas creaciones, comprobando que las dudas que tenia han desaparecido en mi, posiblemente este factor es determinante porque comprendo que la evolución terminará en mi, el día que deje de existir.
En otro de mis ensayos realicé un comentario de los factores referentes a mi representación, símbolos y vivencias, es precisamente Gadamer el que analiza estos factores:
“ La miseria de símbolos- podría incluso decirse, a la renuncia a los símbolos lo que determina el arte del presente, en todos sus dominios; y ello es así, con toda certeza, no por una arbitrariedad ni consecuencia de alguna moda o manipulación, sino porque el arte que hoy quiera decirnos algo ha de obedecer a la hora presente.
Símbolo significa aquello en lo que se- conoce, algo; y, de hecho, un rasgo característico de la hora en la que estamos, es la miseria de los símbolos, la cual corresponde con creciente desfiguración e impersonalidad del mundo en que vivimos, en re-conocimiento es la esencia de todo lenguaje de símbolos y el arte parezca lo que parezca, no puede ser otra cosa, que un lenguaje del re-conocimiento. También el arte de hoy, que tanto molesta, enigma nos plantea cuando mira de frente su mudo semblante, sigue siendo un mundo de re-conocimiento; en el encontramos la desfiguración misma que nos rodea. Es una escritura cifrada lo que él escribe, algo que se quisiera leer porque en él se declara un sentido [...]”.
Hay que aceptar que en filosofía existen pensamientos y teorías que contemplan la libertad de poder exponer lo que cada filósofo piensa, respecto a valorar o desprenderse de un pensamiento que no corresponde a la filosofía. Han tenido que transcurrir, estos casi seis años para sacar las conclusiones que ha generado mi pensamiento, pero ha sido mi obra, donde han aparecido los resultados deseados por mi pensamiento, según voy estudiando la filosofía y los diferentes autores.
Mis últimas dos obras la que yo considero que de ellas puede surgir una serie basándome precisamente en el arte sacro. Con anterioridad he reflejado sobre este tema varios hechos posiblemente porque me impacto el concilio Vaticano II, que convocó Juan XXIII, relacionado con la renovación del Arte Sacro. A través de mi ordenador me puede introducir en la web la búsqueda dio como resultado una carta de Juan Pablo II a los artistas rogándoles que no olvidasen a la Iglesia en su renovación artística. Dicha carta consta de 17 apartados, al leer el apartado 01. El artista como imagen de Dios creador, en el cuarto parrafo de dicha carta leo: “En el alba de la creación”. Tenía en mi caballete un formato de 90 x 130 cm, esperaba realizar algo sobre arte sacro, pero de repente, me encontré con un gran titulo que quedaría para mi como: «En el Alba de la creación. El Génesis».
En ese momento pensé que me encontraba con una gran posibilidad de poder acometer unas serie numerada como:
I. En el alba de la creación: EL GENESIS.
La creación del cielo y la tierra.
II. En el alba de la creación: EL GENESIS.
La creación de las Aguas y las tinieblas.
III. En el alba de la creación: EL GENESIS.
La Creación de la Luz, el día y la noche.
Lo cierto es que no tuve mas remedio que acudir nuevamente, a las diferentes Biblias, que conservo en mi biblioteca además de la guía de la Biblia que elaboró Isaac Asimov, con el fin de realizar un estudio muy analítico, de todo cuanto afecta a al creación, no solo de la Iglesia, sin también al ente científico del ente de interpretación de la misa, sin que por ello yo renuncie a la fe.
De entre las referencias destacaría: La concepción del Universo (Brugger-p. 118-119), no por ello dejo la metafísica y el significado que a esta corresponde sobre los efectos de la creación. Sobre todo esta investigación que pongo en marcha nuevamente sobre arte sacro, esta implicada en ella los 6 años transcurridos en la investigación de mi evolución en arte. No es posible hacer un descripción de las dos primera obras que han surgido, porque desvelaría la hondura del trabajo. Si puedo decir que por primera vez en estos seis años, surge mediante el tema del Génesis una obra puramente abstracta, esta con un lenguaje accesible al espectador que realmente sienta la fe. Se que esta obra va a implicarme profundamente en todo aquello que se relaciona con el concepto en arte, si tengo que reconocer que aquí ha tenido que suceder algo muy especial, porque yo no me he esforzado para nada en la creación de un tema tan sumamente complicado como es todo cuanto surge a través del génesis. Si tengo la firmeza de que incluso tengo asegurado la posible creación del quinto tema.
Con anterioridad creo haber hecho un comentario sobre mi diario, no hay duda que en estas últimas semanas me ha permitido, ver con claridad que el diario se ha transformado en un ensayo que corresponde a todos los pasos dados sobre estos temas tan delicados y complicados para que su lenguaje plástico puedan tener las vivencias necesarias y de él surja un lenguaje donde la reflexión será muy significativa, tanto para el artista como para el espectador. Si he tenido la dicha de que estas dos obras últimas hallan sido vistas por personas muy cercanas a mi y he comprobado que el efecto recibido a través de cuanto yo he mostrado ha sido muy positivo, este factor me permite que la fe y la esperanza puesta en esta obras sean una realidad.
F. GONZÁLEZ ROMERO
Licenciado en Bellas Artes
gonzalez-romero 10 Mayo, Miércoles 11:17 Enlace Permanente Comentarios (0)
ENSAYO 4- FEBRERO 2006
Continuo trabajando en mi obra, en ella intento por todos los medios que exista la representación, sin duda es donde el espectador podrá adentrarse en la misma, siempre y cuando exista un lenguaje en el que se pueda descifrar el tema. Respecto al tema de las obras procuro que todas ellas, estén sintonizadas con el fin de que se pueda analizar dicho tema. Sinceramente cuando se visita una exposición y el espectador encuentra en la mayoría de sus obras que no existe título alguno, en el espectador surge una duda, la cual se marchará con ella, porque considera este acto como un absurdo incomprensible. Este último pensamiento lo asumo, porque lucho para ofrecer al espectador el cual le permita su introducción en la obra.
En estos momentos estoy abandonando la representación con el fin de encontrar una respuesta rotunda y clara en la creación, por ello, he preferido aceptar el término “concepto”, sobre ello expongo lo siguiente:
“El concepto es la forma mas sencilla del pensar, en oposición al juicio y al raciocinio, que son producto del pensamiento concepto por concepto. Mientras el juicio expresa un objeto como existente, el concepto es la expresión abstractivo-intelectual de una «equidad»; comprende un objeto, representa «lo que» el fin de enunciar nada sobre él [...]
Puede que fuese una pura coincidencia, pero mi actitud con respecto a algunas obras que realizo, existe una gran referencia conceptual tanto en el diseño como la plasticidad de la obra. Esto me permite pensar que existen momentos en los que no quedan mas solución que reflexionar sobre hechos de tanta singularidad. Son sin duda muchos los apuntes y las tomas de notas en el curso y posiblemente el hecho de ordenar dichos apuntes, me predispone a ordenar adecuadamente mi mente.
Sin poderlo evitar también ha quedado implicado en mi diario, pues cuando dicho diario hizo aparición en mi vida fue en 1979, buscando por todos los medios un elemento que colaborase con mi actividad, concretamente como profesor de Bellas Arte y diseño, aparte de la enseñanza tenía que actuar en mi trabajo como artista y profesional del diseño. En síntesis, toda mi actividad se aglutinaba en la enseñanza, sin duda una experiencia que me permite valorar por primera vez, el gran significado del pasado con respecto a mi formación.
Dicho diario se ha transformado en una pieza fundamental en mi proyecto de «evolución en arte», pues ha sido en él, donde durante años planifiqué dicha «evolución», por lo tanto es el lugar idóneo de mi reflexión, a través de 37 años de vida del diario, se podrá imaginar la gran utilidad del mismo, caracterizándose por la disciplina que tengo que mantener todos los días.
La disciplina para mi, con respecto a cumplir todos los objetivos, ha significado mucho desde que era un niño. Afortunadamente tuve la gran suerte de conocer las alegrías y el fracaso, posiblemente esas vivencias me han permitido que mi experiencia se remonte a mi niñez, cuando a los trece años, no me quedo mas remedio que trabajar, abandonando mis estudios. Este factor durante toda mi vida me ha perseguido y fue el símbolo para planificar mi objetivo no importándome el sacrificio, esto demuestra los seis años, que estoy dedicando a mi «evolución» en arte. Gracias a esta determinación surge una vida nueva donde el estudio retoma la prioridad de mi vida, debido a mi vocación artística.
Esa inquietud que me ha estado acompañando toda mi vida, me permitió crear una biblioteca -para mi- única, que considero básica para la investigación en arte.
Creo que es necesario, que en estos trabajos de ensayos, surjan toda clase de detalles porque de lo contrario sería muy complicado que una persona con 82 años, pueda actuar como si tuviese 40. Muchas veces pienso y por lo tanto analizo que mi vocación ha pasado por todos los filtros, con objeto de poder comprobar, que nací con esa disposición que la naturaleza me otorgó.
Resumiendo una vez más, tengo que recordar al filósofo Martín Heidegger, que es quien me ha permitido conocer el gran significado de mi pasado por medio de su pensamiento: «El tiempo como horizonte del ser». Una recomendación a la juventud que se permita poder alcanzar, ese fruto lógico de la vida, donde se desea tenerlo todo sin el menor esfuerzo para ordenar su vida.
“Parece imposible de forma intuitiva reflexionar sobre que o quien soy en este momento sin tener en cuenta todo lo que he hecho en el pasado y orientación en la vida, que se encuentra en el futuro, aunque estas observaciones puedan parecer obvias, define un aspecto crucial planteado por Heidegger: El pasado, el presente y el futuro, forman una parte inextricable y significativa de nuestra forma de ser”.
Aquel pasado lleno de problemas, y al mismo tiempo quedó en una gran experiencia fue sin duda el presente, que vivo y también esta en mi futuro. Posiblemente esto suceda solo en el campo del arte pero existe esa posibilidad de poder recoger el fruto cuando ha existido un pasado que nos otorgó una gran experiencia.
Conforme va transcurriendo el tiempo, aparecen dudas que cuestan consultar y que por regla general procuramos que sea el libro el que pueda sacarnos de dudas, se trata de un hecho normal, pues las dudas aumentaran siempre y cuando estemos continuamente luchando por medio del inconformismo. A veces tenemos presente el empirismo, para tranquilizar nuestra mente, pero si deseamos profundizar más, nos encontramos con el racionalismo, precisamente sobre estos dos factores encuentro una respuesta en el libro «Teoría del Conocimiento Humano» de Juan García González:
8.La distinción entre racionalismo y empirismo
Esta destinación de la conciencia como primer acto de la inteligencia, sirve para mediar entre la polémica que se desató en la filosofía moderna, entre el empirismo y el racionalismo. El empirismo sostiene la primacía de la experiencia y del conocimiento sensible, sobre el conocimiento intelectual; el racionalismo, defiende en cambio, el primado de la razón y del pensamiento lógico sobre las variables experiencias y el débil e impreciso conocimiento sensible del hombre. A mi juicio la polémica solo tiene sentido por el marcado carácter real que adorna nuestra experiencia de lo sensible, frente a la índole abstracta de las concesiones intelectuales; este es el punto fuerte del empirismo. En cambio el racionalismo puede apelar a la evidente superioridad del pensamiento capaz de grandes teorías a partir de unos pocos hechos e incluso encuentra aparente de ellos [...] Por eso Kant, intentó poner limites a los usos de la razón; la razón solo vale en el marco de la experiencia posible.
Como se puede observar muchas veces se confía solo en el empirismo, y si se desea avanzar no queda más remedio que poder adentrarse en el campo de la filosofía a través de la teoría estética, esta nos puede facilitar el poder introducirnos en la investigación y en la reflexión, cuando en ella se toma en consideración la búsqueda de ese camino, asegurándose que se está a un paso de la investigación.
Hacía muchos años que no sentía el interés actual que me ofrece el arte, sin duda porque la «evolución» se ha consolidado, pero esto no basta porque son muchos, los objetivos logrados y en arte no queda más solución que continuar trabajando. En síntesis me ha invadido un espíritu que me permite continuar por un camino emprendido que en la actualidad se sitúa en el 2006, en el 6º año de mi «evolución», y son precisamente mis obras, las que me proporcionan continuar por este camino mientras tenga vida. En la actualidad, el libro es mi gran aliado para continuar avanzando. En la obra de Gadamer aparece el tema del «juego como hilo conductor de la explicación ontológica» :
1. El concepto de juego.
“Para ello tomaremos como primer punto de partida un concepto que ha desempeñado un papel de la mayor importancia en la estética, el concepto de juego. Sin embargo nos interesa liberar este concepto de la significación, subjetiva que presenta Kant, Schiller y que domina a toda la nueva estética antropológica. Cuando hablamos de juego en el concepto de la experiencia del arte, no nos referimos al comportamiento ni al estado de animo, del que crea o el que disfruta, y menos aún a la libertad de una subjetividad que se activa a si misma en el juego, sino al modo de ser de la propia obra de arte”.
Este pensamiento de Gadamer, nos proporciona un gran respiro significativo, porque nos permite crear con un gran desenfado con respecto a muchos tópicos que contempla al arte. No obstante cuando se piensa en el juego existen interpretaciones que nada tiene que ver con el comportamiento de la subjetividad, tendremos que atenernos al concepto que implica dicho juego. Uno de los recursos que tenemos para averiguar dicho juego es la reflexión.
Poco a poco se va descubriendo la existencia de un lenguaje que es una abstracción que nos plantea de forma constante la necesidad de un análisis conceptual. La motivación en estos momentos para mi, es el descubrimiento singular, cuando este año 2006 se cumple 6 años de mi proyecto de «evolución». Sin duda, porque de forma constante se registra la existencia de un avance tanto en el conocimiento, como en el ejercicio permanente que realizo como artista. Es precisamente el rendimiento que me permite comprobar por medio de los análisis que realizo, se trata de un fundamento sólido donde el concepto se pone de manifiesto.
Como despedida de este ensayo, Gadamer analiza:
“Tanto más hay que preguntarse: ¿Puede seguir resultando artísticamente creíble, la vocación de contenidos místicos del mundo griego, venerablemente íntimo, pero realmente lejano, tal y como está configurada en la epopeya y el drama? ¿Resultan sus símbolos adecuados para llegar a descifrar la desfiguración? Ello no puede hacerse con las formas de las figuras conocidas, ni con los símbolos que son familiares, pues es una certeza para todo el que repase el desarrollo de los últimos siglos; tendrá entonces que admitir, que desde el barroco y su auto representación y adecuación cristiana-humanística, ningún otro símbolo unitario ha conseguido tener en verdad carácter vinculante [...]”.
En este pensamiento la reflexión nos permite ofrecer una vez más, poder clarificar nuestra mente, con el fin de poder situarnos en cada época, respetando sus creaciones y con ello, podremos analizar profundamente el por qué en la evolución en la Historia de Arte.
F. GONZÁLEZ ROMERO
Licenciado en Bellas Artes
gonzalez-romero 10 Mayo, Miércoles 11:16 Enlace Permanente Comentarios (0)
ENSAYO 3- DICIEMBRE 2005
Han transcurrido desde la terminación del curso, unos cuantos meses y en verdad yo soy el primer sorprendido incluso atendiendo a la representación en mis obras, con esto sucede lo mismo que con el simbolismo. Pero si existe una superación de una obra u otra, encontrándonos con mas de una sorpresa. En estos meses transcurridos si está surtiendo positivamente el factor de la lectura, que afecta como no, a al reflexión que se realiza de la misma. Yo cuento con un medio extraordinario que dio comienzo hace 37 años, se trata de mi diario. Por regla general cuando leo, si es algo de interés realizo un reflejo, de dicha lectura sobre el autor del libro y su contenido. Seguidamente analizo de este trabajo, incluso en las últimas páginas de mi diario no he tenido mas remedio que crear un índice. Esto significa que en parte el diario se ha transformado en un elemento de investigación necesario para mi.
También realizo un seguimiento diario de mis obras reflejando en él, todos aquellos hechos que pueden ser de gran utilidad para mi “proyecto de evolución”. Al hacer referencia a mi diario también he podido comprobar como este ha evolucionado, en realidad se ha transformado en un lugar adecuado donde planifico todo lo que creo que son asuntos singulares y que tengo que hacer un largo recorrido antes de entrar de lleno en él. Han tenido que transcurrir 37 años, para comprender y analizar que el diario nace en Almería, porque tenía que desempeñar unas determinadas funciones con el fín de poder tener adecuadamente planificadas mis clases. En síntesis el diario era el elemento fundamental que ordenaba mi vida, toda mi actividad, hasta tal punto, que para mí en estos momentos forma parte fundamental de mi vida.
Cierto es que esta etapa de mi evolución me ha proporcionado una gran libertad para enfocar todo lo que afecta a mi evolución. Para ello, me he tenido que olvidar de muchas posibilidades económicas, porque este factor resta al arte muchas posibilidades de libertad de expresión.
Estos cinco meses transcurridos ordenando mis lecturas, con el fin de poder comprobar en mis obras la eficacia de dichos estudios. El cambio ha sido espectacular al despejarse en mi mente algunas incógnitas que debe proporcionar mi obra.
“La propia creación artística es respuesta a otras obras y abre una multiplicidad de posibilidades de comprensión. Todo esto cobra un sentido una vez que la obra de arte convoca no tanto al comentario como a este experimento que es experiencia; con ello la decisión es resolución, la posición es respuesta. Responder es el modo adecuado de corresponder a la pregunta. Más aún, se trata de hacerla en un lenguaje que es reconocimiento y que, a pesar de hacerse cargo de la conexión del sentido -en ocasiones carente de clave-, da buena cuenta de nuestra propia desfiguración. Es un gesto que es capaz de llevar en sí su significado, pero que, en todo caso, propicia el encuentro con nosotros y nuestro mundo. En definitiva, el arte, para Gadamer, no puede ser nunca sino un lenguaje de re-conocimiento, incluso cuando miramos de frente el mudo semblante del arte de hoy que tantos molestos enigmas nos plantea.
Este estilo de afrontar la lectura del arte, la lectura que es el arte, la lectura que reclama el arte, compromete la existencia. De ahí que Gadamer subraye insistentemente y en esta recopilación así lo hace que toda teoría hermenéutica ha de ir acompañada de una prác1tica hermenéutica (ahora, de las obras de arte) [...]”
Sin duda no puede existir para un artista una garantía tan rotunda, a la hora de planificar una determinada obra, cuando esta da comienzo en los bocetos de la misma. Incluso en el pensamiento Gadameriano podemos encontrar una reflexión muy puntual cuando nos recuerda la necesidad de estar en posesión de todo cuanto significa la hermenéutica. Precisamente a ese lenguaje que surge en una determinada obra, contempla unas características que serán determinantes para que ese lenguaje pueda estar al alcance del espectador porque es este el que podrá disfrutar de la obra, o que esta sea rechazada. Si estructuramos adecuadamente todos los factores que implican a una obra habrá que analizar que hay una interacción singularmente estrecha de las Ciencias del Espíritu y la receptividad y sensibilidad del artista.
¿Qué le sucede al artista con una sólida formación artística, para saltar estos obstáculos?
Siempre y cuando su capacidad cultural le permita que en realidad es la historia, en este caso la del Arte, las que nos permite conocer la existencia de la “evolución”, no hay duda que esto significa un calvario para el artista encerrado en su mundo, sin admitir que si de verdad ama el arte, no hay medio que lo frene para analizar el presente de igual forma que se estudió el pasado. Es precisamente este gesto, donde podrá convivir en paz o por el contrario, que está muerto en vida, donde su obra también se ha paralizado.
No es fácil por lo tanto el tomar la determinación de “evolucionar” porque en realidad se pone en juego años de trabajo y el que se pueda salir derrotado, si en verdad su vocación no es el arte. Pero esto no sucede en el arte, sino en todas las profesiones donde la renovación se impone.
No obstante hay que aclarar que también, sino existe un pasado, no existe un presente y mucho menos el futuro. Es conveniente que en estos ensayos se pueda ampliar a ese mundo de la filosofía, pero de la que queda mucho por aprender, en este caso se trata de Kant.
“Bien es verdad que el surgimiento propio de la estética filosófica y su fundamentación en la Crítica del Juicio de Kant tenía un marco mucho más amplio, en el cual se abarcaba lo bello en la naturaleza en el arte, e incluso lo sublime. Tampoco cabe discutir que, en Kant, en la naturaleza tiene una prioridad metodológica para las determinaciones fundamentales del juicio de gusto estético, en particular para el concepto de satisfacción desinteresada. Por el contrario, hay que admitir que lo bello en la naturaleza no dice algo en el mismo sentido que nos dicen algo las obras creadas por hombres para hombres, eso que llamamos obras de arte. Puede decirse, con razón, que una obra de arte no gusta precisamente en el mismo sentido «puramente estético» en que gusta una flor o, acaso un adorno. En relación con el arte, Kant habla de una satisfacción puramente «intelectual».”
Posiblemente este perfil último del pensamiento de Kant, se ha aprovechado por algunos artistas que comparten por el espectador alguna posibilidad de que estos disfruten de su obra y además, puedan sacar juicios diversos de dicha obra. Sin duda es aquí donde existe una lucha incomprensible, porque en realidad, se trata de exponer un nuevo lenguaje que se pueda traducir, y que el espectador pueda disfrutar de algo que el artista lo considere arte. La reflexión sobre Hegel nos da lo siguiente
“Hegel sobre la reflexión de lo bello en la naturaleza, con lo bello en el arte, alcanzó un resultado valido; lo bello en la naturaleza es un reflejo de lo bello en el arte, el modo en que una cosa de la naturaleza es ordenada y gozada y no es algo que venga dado fuera del tiempo y del mundo. En un objeto puramente “estético”, que posea su fundamento demostrable en armonía de formas y colore y en la simetría del dibujo, tal como podría leerla un intelectual en la naturaleza, matemático pitagoricamente. Si la naturaleza nos gusta, es algo que sucede mas bien en conexión con el interés del gusto. El cual esta determinado y troquelado por la creación artística de la época”.
Con todos mis respetos he querido mostrar el pensamiento de otro gran filósofo que se quedó en el camino de la “evolución”, Hegel, pero a estas alturas del III Milenio, no es posible que su pensamiento hubiese cerrado a ese factor que nos marca en este caso la historia del arte con respecto a su “evolución”. El arte según Gadamer es: en función de la hermeneutica, explicar y transmitir por el esfuerzo de la propia interpretación, debe ser comprensible de forma inmediata.
Sin duda estos son los factores fundamental para disfrutar del arte contemporáneo y de vanguardia. Cuando el artista cuelga una obra en una galería o en un museo, es imposible para el espectador comprender, porque el enunciado se puede rotular sin título. ¿Se tratará de una formula mágica para que dicha obra deje de interesar al espectador?
También se suele interpretar por el espectador, que el artista no sabe lo que ha creado... La filosofía con respecto al arte esta participando de un modo práctico y magistral ampliando los conocimientos que genera a esta para poder adentrarse en el arte contemporáneo. Es precisamente Gadamer, uno de los grandes, el que muestra unas amplias bases para definir la unidad del arte. Confirmando así él mismo sus argumentos, ahonda en la experiencia antropológica del arte, de los tres conceptos; juego, símbolo y fiesta.
F. GONZÁLEZ ROMERO
Licenciado en Bellas Artes
gonzalez-romero 10 Mayo, Miércoles 11:14 Enlace Permanente Comentarios (0)
ENSAYO 2- OCTUBRE 2005
Me ha costado bastante poder recobrar el ritmo, por la inactividad mantenida durante el curso de Experto Universitario en Estética y Arte Contemporáneo. Tenía que atender al curso con el fin de poder obtener los conocimientos deseados, con ello podía respaldar mi proyecto de evolución.
Una de las mas claras recompensas obtenidas en el curso, ha sido sobre «El tiempo como horizonte del ser» . Sin duda para mi ha sido fundamental porque por primera vez en mi vida yo pude realizar un estudio muy analítico de los años 1934-2005. En el año 1934 realizo mi primera matricula en la Escuela de BBAA y Oficios de Málaga, con 11 años de edad. Terminando con estos estudios en el año 2005 en la Universidad de Málaga, cuando había cumplido 81 años de edad.
Afortunadamente la salud me acompaña para estar en plenitud de trabajo en estos momentos, cuando finales de 1999 determiné que era conveniente, realizar una planificación para acometer uno de esos proyecto que solo se puede hacer una vez en la vida. Correspondiente a la “evolución en arte”, entendí en mi planificación, que mi dedicación sería exclusivamente a dicho proyecto, tomé buena nota sobre el tiempo que yo emplearía en ello, y como es lógico reflexioné sobre el mismo, su resultado dependería de la aceptación o no de mi mente al proyecto.
Tuvo en este proyecto un peso específico los años que dediqué al diseño y a la enseñanza. No puedo ocultar que tenía también a favor de dicho proyecto los años que yo estuve vinculado a la arquitectura, precisamente en este apartado si algún día escribo mi autobiografía, será el lugar adecuado para realizar un estudio en profundidad de lo cerca de cincuenta años que me han unido a esta actividad.
Siendo de una gran utilidad para ampliar mis conocimientos y por lo tanto mi experiencia que me permitió la enseñanza del diseño en general y de forma muy singular en la arquitectura de interiorismo. Esta ha sido la pieza clave para introducirme en el campo de la “evolución”
Desde el 2000 al 2005 he mantenido una actitud muy positiva al poder comprobar en estos años que mi “evolución” sería larga y tendría que hacer frente, no dejándome arrastrar por el pasado. No puedo hacer cuenta de las horas que dediqué a al estudio sobre el análisis de la evolución de los artistas que más han significado en el arte del pasado y de la contemporaneidad para mí. El descubrir la lucha que mantuvieron durante toda una vida, para que fuesen comprendidos. Desde el 2000 hasta el 2002 fueron dos años los cuales pasé muy mal, pero afortunadamente en 2003 hace su aparición mediante muchas reflexiones la necesidad de estudiar el significado de síntesis, con objeto de poder desprenderme de los detalles que nada tienen que ver con el objetivo deseado.
Uno de los grandes recursos a los que yo hago frente, en esta “evolución” era el poder contar con una gran formación que me permitía olvidarme casi por completo del pasado, con respecto al concepto que tenía que emplear en este complicado proceso, donde el estudio y el análisis de los mismos fortalecieron mi mente. Sin embargo, reconozco que existían algunas incógnitas tanto en la representación, simbología, como en el oficio que tenía que aplicar con materiales nuevos, que tenía que experimentar para poder consolidar dicha evolución.
Situé lo bello con un paréntesis con el fín de estudiar debidamente la propuesta, que estaba en esos momentos desarrollándose.
Cuando el curso está finalizado mi gran deseo es ponerme a trabajar nuevamente en mi “evolución”, yo soy el primer sorprendido al contemplar como finalizaron las obras que corresponden al 2004, cuando concluyó con mi exposición en el Centro de Arte Museo de Almería, durante el 28 de Mayo al 2 de Agosto de ese mismo año, dependiente del ayuntamiento de Almería. Existió un predominio en todas estas obras de la “síntesis” que últimamente me había perseguido y que tan buen rendimiento me había ofrecido. Al finalizar el curso la gran tarea pendiente que tengo, es poder hacer una estructuración del curso al que considero clave, ya que han desaparecido, las dudas y al mismo tiempo se puede desentrañar del curso, todo aquello que me puede permitir la creación. Es en estos momentos, donde se impone una gran reflexión que me permite crear en libertad en función de mis conocimientos.
Es hora de enfrentarme a una obra donde la representación, que por cierto defiende filósofos como: García Leal, Shusterman, Wollheim, Marchan Fiz. Todos estos autores realizan un análisis fuera de lo común del concepto que todos tenemos de la representación, es esta la propuesta que sobre todo es necesaria, en función del espectador. Nos adentramos por lo tanto en un mundo, desconocido para muchos artistas, pero que a su vez, permitirá que el espectador logre con el mínimo esfuerzo introducirse dentro de la obra que en ese momento esta observando. Recuerdo del curso una gran opinión que fue rotunda del profesor J. García Leal, este manifestó que no todas las obras valen, como es lógico este es un punto de reflexión, de análisis para muchas obras que surgen en el arte contemporáneo.
El profesional que pertenezca al mundo del arte, sabe muy bien, si lo que esta ejecutando tiene la validez de una obra de su tiempo con todos los condicionantes que debe tener la misma. No se puede ocultar que tanto en el pasado como en la actualidad, ha existido y existe unos criterios sobre la comercialización del arte en todos sus aspectos, donde el hecho comercial y político tiene un poder de influencia muy significativo.
El artista en la actualidad ha dejado de cuidar de forma permanente todo lo relacionado con el soporte donde el tiene que realizar su obra: lienzo, tablero de madera contrachapado (mucho mas resistente), etc... Sin pensar que cuando se realiza una buena preparación de soporte, el artista encuentra una gran defensa para trabajar en el mismo el tiempo que sea necesario y en este caso, es mucho más significativo cuando se está utilizando óleos y acrílicos, sin olvidar que hay una serie de artistas que utilizan pintura de esmaltes industriales ya sean de brillo o mate que son productos que en muy pocos años no queda mas remedio que ser restauradas. Es un hecho que lo estamos comprobando con obras contemporáneas. No se trata de dar una lección de “procedimientos pictóricos”, sino de utilizar el pasado, que es el que garantiza la perdurabilidad en siglos de muchas de sus obras.
Uno de los factores positivos del curso antes mencionado, ha sido que por primera vez en muchos años se ha podido hacer una estructuración por materias de mi biblioteca que en estos momentos sin estar finalizada, se encuentra alrededor de los 3000 vols. La pieza clave para ordenar estas obras ha correspondido a mi colaborador, que es mi nieto Antonio de Diego González, que a su vez coincide, con ser estudiante de segundo de filosofía. Por lo pronto he tenido la gran suerte de conocer la existencia por ejemplo en el apartado de filosofía, 350 vols. y esto supone que existió en mi una inquietud constante para poder reunir estos libros de filosofía los cuales estas relacionados de una manera u otra con el arte. También se ha podido analizar en esta rama una obra de 35 años publicadas, en diferentes ediciones, de S. Marchan Fiz, esto significa para mi, encontrarme con mas de una joya, producto de una inquietud.
Esta colección de libros da comienzo dos años antes (1955) de ingresar en la Escuela Superior de Bellas Artes de S. Fernando. En aquellos años, era un reto sin discusión, el poder ir adquiriendo poco a poco, obras de una gran trascendencia, que una gran mayoría de las mismas, son las que he utilizado, antes y sobre todo durante la “evolución”. Lo cierto es que para mi ha significado uno de los mayores retos, porque ha mantenido hasta la fecha actual, unas inquietudes, donde da la sensación que los años no han transcurrido.
Otro de los grandes filósofos que consulto muy a menudo es Hans Georg Gadamer. Por otra parte es raro el autor que no hace una introducción recordándonos a los clásicos: Platón, Aristóteles, Hegel, Heidegger, etc... Además de tantos otros que tenemos que estudiar para poder obtener la máxima confirmación de que nuestro pensamiento, esta acorde con los criterios que establecieron en su día la evolución en arte. Nos adentramos por tanto en una gran aventura que nos facilita ser responsables de nuestras obras y no preocuparnos por lo que pueda surgir, ya que es de suma importancia crear los espacios que son necesarios para que las lecturas sean constantes, porque con ellas avanzaremos en nuestras propuestas. En resumidas cuentas tenemos que remontarnos al mundo griego, puesto que con ellos obtenemos una simultaneidad de experiencia que nos serán de gran utilidad a la hora de crear para nuestras reflexiones, es crear un evento con el fin de que constantemente tenemos que aprender con ello para poder explicar cuanto realizamos en arte.
El hecho de que podamos usar los nuevos materiales nos permitirá adentrarnos en un mundo nuevo donde la técnica plástica, nos resolverá grandes dudas. Lo más significativo no es estar actuando en lo que conocemos, puesto que lo desconocido supera lo que ya sabemos. Nos adentramos en un juego donde surge un lenguaje nuevo, que nos facilitará avanzar en nuestro deseo de superar obras anteriormente realizadas. La gran sorpresa la conoceremos al enfrentarnos a una obra nueva y nuestra actitud desarrollará encontrarnos algo con lo que jamás habíamos soñado, el juego puede dar comienzo con la técnica nueva a emplear desconocida pero conociendo toda problemática que deriva de esta determinación. El arte es poder dar un paso adelante mostrándonos seguro ya que todos sabemos que cuando lo siguiente ha secado, nos encontramos con una gran sorpresa.
F. GONZÁLEZ ROMERO
Licenciado en Bellas Artes
gonzalez-romero 10 Mayo, Miércoles 11:13 Enlace Permanente Comentarios (0)
Ensayo 1. Agosto 2005
El trabajo que me propongo desarrollar lo considero un ensayo sobre los últimos estudios realizados en función de mi “evolución en arte”, que inicio en 1999, que me había impuesto como una necesidad de investigar, relacionada con el arte contemporánea. Tratándose de una inquietud que es imposible frenar, la novedad de esta etapa corresponde a la nº XI, se diferencia de las anteriores al tomar la determinación de una entrega total a mi “evolución”, no es posible realizar un trabajo de esta singularidad si no se hace una entrega total al mismo.
En el apartado de INTRODUCCIÓN de mi página web, realizaba una descripción muy completa por los motivos académicos que al mismo tiempo me empujaban a no abandonar los estudios realizados, que son al fin, otro de los argumentos de mi determinación. Sin olvidarme que cuento con un bagaje de experiencia que en síntesis son conocimientos. Puedo incluso cumplir mi promesa de renovar mensualmente este trabajo pues no hay duda que me permitirá para que estas propuestas se puedan transformar en ensayos.
Afortunadamente a través de los años, me he podido hacer con una gran biblioteca, que en estos momento se esta ordenando por materias y en ello colabora mi nieto Antonio de Diego. Estos libros donde no dejan de ofrecerme sorpresas, por cierto sumamente agradable, voy a referirme a dos obras en concreto, la de Simón Marchan Fiz, de la que adquirí la primera edición del Arte objetual al Arte conceptual 1960-72, que en el año 2005 se han cumplido 33 años. Es una gran sorpresa que hace treinta y tres años mis inquietudes eran equivalentes a las actuales, como es lógico aquí existe un tema para que la reflexión pueda jugar un papel principal. Esta obra fue adquirida en la librería de la puerta Purchena s/n, en la ciudad de Almería, hacía tres años que yo ejercía como profesor en la Escuela de Artes de dicha ciudad, impartiendo la asignatura de diseño de interiorismo.
Mi deseo de “evolución en arte” es posible porque con anterioridad al año 1999, fue un hecho que se estuvo gestando durante años, porque al tomar dicha determinación no quedaba mas solución que dedicarme por completo a esta aventura.
La planificación que realicé, calcule que en tres años podría ver alguna luz siempre y cuando mi mente admitiese dicha evolución, la reflexión es precisamente la pieza fundamental para encarar una problemática desconocida y que había que estudiar.
Pienso que vivimos un momento de gran confusión respecto al arte contemporáneo, quedando un poco arrinconado el artista, que es el gran protagonista. Las actuaciones de exposiciones, venta, etc... en parte están en manos políticas, de galeristas y otros círculos donde se mueve la crítica, los museos y la economía. No por ello se puede olvidar una figura que se ha hecho imprescindible, como son los comisarios / as, por lo tanto el artista pasa a un segundo o tercer plano, quedando al amparo de dicha política. Precisamente encontramos en el ABC Cultural nº 702, semana del 16-22 de Julio de 2005 en su página de portada el siguiente rótulo:
”HAL FOSTER, ROSALIND KRAUSS, DANTO”
LOS DICTADORES DEL ARTE
Firma dicho artículo Fernando Castro López, por su clarividencia en el análisis que realiza en dicha prensa.
Yo espero planificar estos ensayos de forma que se puedan recoger todos aquellos documentos e ideas fundamentales que dicho estudio pueda ofrecer en un epílogo de sensibilidad sin tener que machacar a nadie y que dicho trabajo, pueda con el tiempo crear nuevas amistades con el fin de poder intercambiar ideas que nos permitan poder defender todo aquello que utilizan como negativo el arte. Para que todos estos factores sean una realidad, no queda mas remedio que reconocer plenamente la defensa de los intereses artísticos.
A través de los años he comprendido que la vocación es algo que nace con el artista y tarde o temprano sale a la luz. Muchas veces existen necesidades de primer orden en al familia y no queda mas solución que apoyarlas, aun cuando sea un factor de perjuicio para la dedicación al arte. Si la vocación surge de las entrañas de la madre, se impondrá de todos modos. Precisamente cuanto más dificultades surgen, también se van acumulando experiencias únicas, por ello, con estos acontecimientos también se nutre la creación.
Muchas veces nadie le da importancia a la formación artística y es uno de los hechos mas lamentables, porque al transcurrir los años comprendemos que nuestra capacidad esta mermada y no existen facultades que respondan como uno desea. En mi existe un gran respeto para los artistas autodidactas, este es un hecho doloroso porque por regla general esto sucede por falta de medios económicos, que afecta directamente a la educación, haciéndose muchos avances, pero queda mucho por hacer, sobre este factor tengo una gran experiencia para poderme pronunciar tan claramente.
Han transcurrido casi cincuenta años desde mi ingreso en la Escuela Superior de Bellas Artes de S. Fernando de Madrid, pasando por la convalidación de mis estudios de Licenciado en Bellas Artes (1983). Realizando el curso de Doctorado y mi minuta de tesis doctoral sobre: LA PINTURA MURAL EN ARTE SACRO (1984-1985). Por el gran trabajo que aquellos años sostenía, con la responsabilidad de la dirección de la escuela nº 4 de Artes Aplicadas ubicada en Moratalaz, Madrid, dedicada a la especialidad del diseño de interiorismo, con los correspondientes talleres. Al mismo tiempo este centro de acuerdo con el claustro de profesores prepararon un estudio, con el fin de reconocer la enseñanza superior, esto no fue posible, pero nueve años después llegó dicho reconocimiento.
Lo cierto es que esa etapa de la vida donde nos hacemos tantas preguntas siempre surge la dedicación plena al arte, siendo la respuesta muy simple, tenia que atender a todo aquello que se relacionaba con el arte, pero ahora es el momento que da lugar nuevamente a dicha pregunta y la respuesta es: que mis actividades diversas relacionadas con el arte me ha proporcionado una experiencia que son las que se esta beneficiando el arte, en esta etapa de mi sexto año de “evolución en arte”.
Posiblemente mi sufrimiento por no continuar en los estudios, fue con el tiempo el que me permitió crear con los años una espléndida biblioteca que ha sido el motor de tener al día todos los acontecimientos relacionados con el arte. En el año 2002 recibo una carta de la UCM, que tenía la fecha de 2005 para terminar la tesis doctoral, me animó tanto la carta que me animo a continuar dicho trabajo. Tres meses después reflexioné sobre : ¿Qué era mas importante para mi, mi tesis doctoral o mi evolución en arte?
Gano la segunda opción, la evolución en arte.
Durante el año 2004, en los meses de Mayo y Agosto, realizo una exposición de una evolución de mis obras en el Centro de Arte Museo de Almería, este fue el lugar donde yo oficialmente ejercí la profesión de profesor de Bellas Artes. Era necesario sacar a la luz el esfuerzo realizado entre 1999-2004.
Mi evolución es fruto de una deuda, que adquirí por vocación con el arte y esto no fue de forma espontánea, pues durante años mis estudios sobre Arte contemporáneo me permitieron que reflexionará sobre el gran esfuerzo que tuve que hacer, y en efecto, según pasaban los años en soledad, me permitió que aflorase la palabra “síntesis” y es aquí donde descubro que el pasado con respecto a la arquitectura me ofrece un gran servicio, porque esa arquitectura que conocemos en Andalucía, la árabe, donde se vive en el interior de sus patios, por regla general su estructura exterior es de plena austeridad, precisamente donde la arquitectura de vanguardia ha tenido grandes inspiraciones. También en mi biblioteca existe un gran apartado donde se encuentra representados los mejores arquitectos de todo el mundo.
Pero tengo que reconocer que echaba en falta conocimientos como los que aporta la filosofía, que tanto ha beneficiado a esta especialidad como al arte. Buena prueba de ello es que en mi apartado de filosofía se registran 220 vols. en los siguientes apartados: antropología, estética, ética, Filosofía actual, Filosofía de la ciencia, Filosofía del lenguaje, Filosofía, de la cultura, Historia de la Filosofía, Metafísica y Teoría del conocimiento. Tratándose de una materia única que no es fácil de estudiar fuera de la universidad.
No tengo mas que reconocer como algo muy especial que siempre me protegió en la vida y en verdad que en el año 2004,me encontraba en una gran encrucijada donde debía tomar determinaciones muy serias en función de mi evolución. En Septiembre de 2004 surge en la prensa la convocatoria de un curso de postgrado en la UMA, por medio del Dpto. de Filosofía de la UMA y de su área de Estética y teoría de las Artes. La nomenclatura del titulo del curso era: I TITULO DE EXPERTO UNIVERSITARIO EN TEORÍA ESTÉTICA Y ARTE CONTEMPORÁNEO.
Dicho curso dará comienzo el día 13 de Enero y concluye el 17 de Junio de 2005. Cundo el curso ha terminado, para mi y para muchos de los asistentes ha sido un evento donde fundamentalmente donde se ha podido despejar muchas incógnitas sobre todo en el campo de la filosofía. Hasta tal punto ha sido eficaz, que en función del trabajo que hemos tenido que desarrollar en el curso, mi propuesta fue: “EL SIGNIFICADO DE LA EVOLUCIÓN EN ARTE. Análisis años 1934-2005”.
En síntesis yo me basaba en esos setenta y un años de experiencia, justificándolo por medio de la filosofía, buscando el pensador adecuado que me pudiese poner en orden dicha experiencia. Mi gran sorpresa fue que visitando la librería Luces , que en la sección de filosofía encuentro una Guía para Jóvenes sobre Heidegger, todo esto a la edad de 81 años. A continuación cito un fragmento de dicha obra :
EL TIEMPO COMO HORIZONTE DEL SER
Para desarrollar un mayor entendimiento del ser, Heidegger se dio cuenta de que necesitamos situado en un contexto apropiado. Heidegger llama a este contexto horizonte. En el caso del ser, Heidegger sentía que el tiempo era el contexto apropiado. Por tanto propuso que el ser (el sentido de lo que significa ser) todo podía explorarse y comprenderse en relación o en términos del tiempo.
En su exposición sobre el tiempo, la pregunta que Heidegger se formula a sí mismo es: "¿Qué significa ser en el tiempo?" en lugar de: "¿Qué es el tiempo?" Si creemos, como afirman muchas personas, que el pasado va no está y que por tanto es irrelevante ante mi "aquí y ahora", entonces la promesa que hice ayer ya no tendría sentido ni importaría nada, porque el "ayer ya no está". Sin embargo, sabemos que esto no es así. Ni tampoco es relevante argumentar que sólo la memoria es lo que aquí importa, Porque la memoria es simplemente el medio de transportar el pasado al presente. Parece imposible de forma intuitiva reflexionar sobre qué o quién soy en este momento sin tener en cuenta todo lo que he hecho en el pasado y mi orientación en la vida, que se encuentra en el futuro.
Aunque estas observaciones pueden parecer obvias, definen un aspecto crucial planteado por Heidegger: el pasado, el presente y el futuro forman una parte inextricable y significativa de nuestra forma de ser.
Heidegger concluye que este momento presente es significativo para mí sólo en términos de mi consciencia sobre lo qué estoy haciendo ahora mismo. Según Heidegger, mi pasado también está vivo en el presente, en el sentido de que es responsable de mis circunstancias actuales. Es más, el pasado se mezcla con mi situación y acciones actuales para crear y limitar mis posibilidades futuras. Mi futuro también existe en el presente a través de mis elecciones futuras que a su vez influyen en mis acciones presentes. Heidegger que el futuro es la dimensión más importante de mi temporalidad, por las selecciones que hago para mi futuro, que determinan quien soy ahora y, paradójicamente, el futuro también puede ser el origen de mi pasado [...]
No es posible explicar la emoción que sentí al leer en la librería estas páginas, para mí surgía de repente, que en efecto, existe una predisposición que tarde o temprano llega, sin duda cuando también existe una constante en la búsqueda de conocimientos, donde no se puede encajar adecuadamente ideas y conceptos que nos permiten reconocer que nuestro trabajo no es fácil, pero si existe una necesidad de búsqueda de un razonamiento adecuado es posiblemente una de las mayores satisfacciones que podemos encontrar. Por lo pronto este gran descubrimiento de gran significado para mi, en el presente, me permite el poder hace un homenaje a todos aquellos de alguna forma me ayudaron a encontrar ese camino de la vida, que a mis 82 años, el arte se mantenga perfectamente ante el factor de la experiencia del pasado en el presente y que este se transforme en conocimiento. Sin duda el curso me ha permitido profundizar acorde con mi formación y la experiencia del pasado, para la búsqueda del camino deseado.
A todo ello hay que sumarle el gran valor de la reflexión, ya que esta genera la síntesis deseada que me ha permitido encontrar un marco adecuado para la investigación.
La evolución tecnológica trae consigo nuevas formas de expresarse, nuevos contenidos. El arte, fiel espejo del hombre, se valió en su día de la roca y el cincel para contar escenas de la vida cotidiana, de sus cosechas, sus reyes y sus dioses. Hoy, las herramientas digitales se hacen eco de otros cambios más profundos que lo puramente tecnológico, son reflejo de una inevitable evolución social y cultural, con preocupaciones y anhelos renovados.
Ante la responsabilidad inevitable de tomar postura, el artista electrónico ha de elegir entre dos caminos para enfrentarse al mundo: evasión o lucha. La primera opción explora los (i)límites creadores de realidades irreales, mundos virtuales en donde el espectador se convierte en partícipe activo de las fantasías del autor. Las máquinas lo hacen posible gracias a los cada vez más perfeccionados sistemas de realidad virtual y a la magia incorpórea y ubicua de internet.
En palabras del profesor Braganza de Miranda, de la Universidad de Lisboa, "lo virtual desaparece de la imaginación y pasa al campo de la experiencia". Nacen así los entornos inmersivos tridimensionales, espacios en los que el visitante de la obra se sumerge e interactúa mediante elementos sensitivos (vista, tacto, oído). Ésta es además una de las características más llamativas del nuevo arte digital: la obra nunca es acabada por el artista, sino que precisa de la acción del espectador para existir y completarse. Se cierra así el círculo entre autor, mensaje y receptor, en una retroalimentación activa que convierte la contemplación artística en juego y experimento: el observador se convierte en protagonista, manipulador y recreador de la obra original.
Si la belleza formal y los otros mundos posibles son los motores que impulsan a algunos, otros trabajos se decantan por el camino de la lucha, con un análisis feroz e inconformista del tiempo que nos tocó vivir. El artista se convierte así en abanderado de la crítica al sistema. Recurre a los medios tecnológicos para destapar el abuso de poder, el control oculto que esos mismos medios "de masas" ejercen en nuestra sociedad, las falacias de la política y la economía.
La propuesta artístico-activista está representada por grupos surgidos al calor de los ochenta y los noventa, como Electronic Disturbance Theatre, liderado por el estadounidense de origen mexicano Ricardo Domínguez; Fundación para el Conocimiento Ilegal, creada por el holandés Geert Lovink; Technologies to the People, inspirado por el español Daniel García Andújar, o Etoy, grupo anónimo de hacktivistas surgido en el norte de Europa Occidental.
Nuevos conceptos
Interactividad, obra inacabada y libertad creadora son algunas de las aportaciones de la tecnología al arte, que llega acompañado de una pujante inmaterialidad. Es lo virtual frente a lo tangible, lo ubicuo frente a lo original. En palabras del mexicano Jorge Alor, director de la revista Sputnik, "la cibercultura está cambiando los hábitos, el inconsciente y hasta las relaciones interpersonales. Hablar de cibercultura es referirse a las primeras consecuencias que repercuten cotidianamente en las estructuras que conforman la interacción del hombre con el hombre y del hombre con las máquinas".
Cambia por ejemplo el concepto tradicional de "mercado", haciendo la obra artística más accesible para aquellos que no pueden comprarla y poniendo en tela de juicio la posibilidad de controlar los derechos de autor. La idiosincrasia de la Internet elimina la idea de obra única, con la posibilidad de visualizar el mismo trabajo en múltiples lugares diferentes y aportar modificaciones. Los originales pueden ser reproducidos hasta el infinito, sin perder en calidad. Aunque su protección es posible mediante sistemas de clave de acceso a una obra, rara vez algún artista recurre a ello. El arte electrónico nace contagiado del espíritu de libertad de información y circulación que en su día inspiró a internet.
Otra cualidad importante es la idea de conjunto: en la red las obras forman parte de un todo. Como millones de islas en un mismo mar, se entrecruzan en un interminable ovillo de links que no entiende de lo lineal. De igual forma se difuminan las fronteras entre disciplinas. Pintura, escultura, música... ya no son compartimentos aislados sino piezas de un mismo rompecabezas multimedia.
Por otra parte, ciencia, tecnología y cultura se dan la mano en un campo en que el artista guarda su sensibilidad creadora y su dominio de la informática en la misma caja de herramientas. Según Will Bauer, artista y colaborador Rafael Lozano Hemmer -creador del Alzado Vectorial, que se presentó en el Zócalo de la ciudad de México durante la celebración del nuevo milenio- "la tradición de Occidente tendía a separar cuerpo y mente, pero las nuevas relaciones tecnológicas tienden a volver a unirlas".
Tampoco los artistas están aislados. Es frecuente su reunión en colectivos en los que la colaboración es pieza clave. Independientes, festivos y "para todos", son las señas de identidad de un gran número de jóvenes grupos surgidos al calor de las nuevas tecnologías. Según Nilo Casares, curador de la muestra de trabajos electrónicos en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo Arco 2000 de Madrid, "estos colectivos han permitido que el público tenga un acceso más directo al arte. Las galerías a veces parecen una aséptica sala de hospital... En los nuevos espacios, aunque la calidad no sea una de sus características principales, no hay diferencia entre el que hace y el que mira". Tal vez por eso sus eventos preferidos son lúdicos, para experimentar la creación artística con música sintética, videojockeys, proyecciones de infografía y videoarte, y performances multimedia. El interés está en el proceso y en la interaccción con el público, más que en la obra final, estableciendo una fuerte relación entre arte y vida.
Lista negra, Enrique Silveira y Jorge Abbondanza
¿Entrar o no en la red?
Hoy cada vez más creadores se hacen esta pregunta. Una de las mayores cualidades que el medio ofrece a los artistas es su gran elasticidad y sus posibilidades de movimiento, manipulación y caos. Desde el punto de vista del artista Javier Creus, "la red es ideal para trabajar lo complejo y lo diverso, por contraposición con los medios de masas que banalizan y homogenizan los contenidos según las leyes del mercado".
Artista experimentado y hombre de su tiempo, el mexicano Lozano Hemmer opina que "la tecnología no debería verse como un sustituto o una mejora de otras disciplinas de las Bellas Artes establecidas, sino como un componente inevitable de nuestra sociedad contemporánea. Los artistas de la cibernética adoptan a las nuevas tecnologías para utilizar, criticar y reinventar a los nuevos medios".
Su interés en la cultura tecnológica mexicana le llevó a hacer un somero compendio de los pioneros en este campo. Así, poca gente sabe que en 1947 Norbert Wiener y Arturo Rosenblueth crean la teoría de la cibernética en el Instituto Nacional de Cardiología mexicano. O que fue el ingeniero Guillermo González Camarena quien inventó la televisión a color en 1940. O que fue aquí donde Morton Heilig diseñó, allá por los sesenta, su "sensorama", un prototipo del primer instrumento para inmersiones virtuales. Como pensador destaca el filósofo mexicano Manuel de Landa, nacido en la ciudad de México en 1952, cineasta independiente en los setenta, programador y artista electrónico en los 80 y autor de ensayos sobre vida e inteligencia artificial y sobre cómo la era digital trae consigo una nueva economía de mercado on-line.
Museos en la telaraña
Las tecnologías de realidad virtual abren una puerta al infinito. El espectador puede, por ejemplo, sumergirse en un cuadro y visitarlo virtualmente a través de formas y volúmenes, determinando el recorrido con la propia mano. La telaraña mundial que es la internet participa de este concierto como un gran museo global. Las creaciones digitales flotan en el ciberespacio en espera de ser visitadas por cualquier usuario conectado, desde cualquier punto del planeta.
Y no sólo hablamos de las nuevas obras específicamente creadas para la red. También los grandes museos de todo el mundo lo han visto así, digitalizando fotografías de sus colecciones para exponerlas en salas virtuales y abriendo proyectos de apoyo a la producción y divulgación digital. Es el caso del Guggenheim, que en 1999 presentó su programa Virtual Projects con este fin. Otros más tradicionales como el Louvre, el Smithsonian Institution, el MoMa o el Whitney Museum se cuentan entre los primeros con presencia en la red. Destaca el Walker Art Center, pionero en la creación de una sala de exposiciones dedicada por entero al net.art y únicamente existente en internet, su Galería 9. Del otro lado del Atlántico, es de visita obligada la web del ZKM, Center for Art and Media (Karlsruhe, Alemania), la primera institución del mundo en crear un museo virtual exclusivamente dedicado al arte digital. Funciona además como centro de investigación y producción.
En México, el site de Spin recopila los trabajos de Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. Otros lugares de exposición con presencia on-line son el Museo Franz Meyer y el de Culturas Prehispánicas. Con todo, destaca la web del Centro Nacional de las Artes, que en su Centro Multimeda ha diseñado reproducciones 3D de muchos de sus museos, visitables de manera virtual en internet. El Museo de Arte Moderno o el Carrillo Gil son dos buenos ejemplos. Este Centro Multimedia es uno de los lugares más interesantes en apoyo a artistas electrónicos para la experimentación con nuevas tecnologías.
Para los amantes de la fotografía, el site de Eyestorm, sala de exposiciones virtual más que museo, ofrece un cuidado y bello archivo interactivo, con trabajos de diversa procedencia, desde la fotografía clásica de Constantin Brancusi a las polaroid de Andy Warhol, pasando por los collages de David Hockney o las ediciones limitadas de Damiel Hirst. Fundamental visitar la sección "Delve", que nos invita a un apasionante juego con temas y periodos artísticos.
Centro Nacional de las Artes: www.cnca.gob.mx/cnca/
Museo de Arte Moderno: http://www.arts-history.mx/museos/mam/2menu.html
Museo de Arte Carrillo Gil: http://www.conet.com.mx/macg
Museo de Franz Meyer: http://museos.web.com.mx/mfm
Museo de las Culturas Prehispánicas: mexplaza.udg.mx/MUSEO
Centro de la Imagen: http://www.arts-history.mx/museos/cima/dir.html
Spin (murales): http://www.spin.com.mx/ilustrado/murales/
Walker Art Center: http://www.walkerart.org
Guggenheim: http://www.guggenheim.org
Louvre: http://www.louvre.fr
MoMa: http://www.moma.org
Smithsonian Institution: http://www.si.edu
Eyestorm: http://www.eyestorm.com
Un poco de orden en la maraña
Internet es un gran foro para exponer obras e ideas artísticas, pero no siempre es fácil encontrar lo que se busca. Además de la saturación de información, la mayoría de los buscadores y directorios pecan de indefinición, con listados de direcciones que no llegan a ninguna parte y descripciones crípticas o demasiado escuetas.
Una buena brújula para internautas interesados en arte es el directorio especializado independiente Arte en Red. Doctora Cum Laude en Bellas Artes y profesora en la Universidad de Barcelona, Laura Baigorri creó el site en 1997 y desde entonces no ha dejado de actualizarlo. Las más de 700 propuestas del listado van acompañadas de un comentario crítico, junto con información acerca del idioma en que se encuentra, país de origen, fecha de creación... Así el navegante puede hacerse una idea de lo que va a encontrar y ahorrar tiempo eligiendo de antemano las direcciones de su interés.
Jason Sttats. Proyecto sobre la condición humana. e-mail: thinearth@worldnet.att.net
La pantalla principal muestra una tela de araña con 12 secciones: artistas (proyectos creativos específicos para la red y páginas de casi cien artistas de todo el mundo), centros de arte (instituciones y asociaciones independientes), textos y debates (ensayos, conferencias y congresos), museos y galerías, difusión (festivales multimedia y exposiciones de arte electrónico), sedes de arte, revistas, formación e investigación (centros de estudio y becas internacionales), música (electrónica), sobre la red (derechos del internauta, léxico en internet, debates), directorios y buscadores, y guerrilla.
Otra forma de acercarse a la creación electrónica en la red es a través de las comunidades artísticas internacionales. Son redes que reúnen a artistas, críticos, aficionados y expositores de todo el mundo, un lugar perfecto para sumergirse en las propuestas e ideas más innovadoras. Dentro de las pioneras, destaca Rhizome, que se autodescribe en su página como "máquina comunicativa, red para la distribución de información en internet de una manera útil e inteligente". Su misión es recoger, seleccionar y hacer eco de los mensajes comunicados por sus usuarios: su audiendia es la misma que le suministra contenidos. Artistas, escritores, diseñadores, programadores, músicos, comisarios de exposiciones y críticos forman parte de esta rica comunidad basada en el correo electrónico, geográficamente dispersa.
La veterana The Thing ha cobijado a los principales artistas de la red y ofrece su información en todos los formatos: listas de correo, net TV, net radio. Como novedad, su interfaz permite al usuario saber qué otros visitantes andan en la web en ese momento, con la posibilidad de comunicarse con ellos on line. Es además un proveedor de servicios integrales de internet.
Centrada en el activismo de los nuevos medios, la comunidad Nettime se dedica a explorar las posibilidades crítico-creativas de internet, promoviendo actividades y encuentros internacionales. Entre sus fundadores está el grupo Adinko, Fundación para el Conocimiento Ilegal, lidereado por Geert Lovink.
Redes latinas
Pero volvamos la vista a las redes latinas, más recientes que las anteriores pero muy interesantes y con todo un horizonte nuevo por explorar. w3art recibe 250 mil visitantes al mes y es un buen lugar para dejar huella digital de nuestro trabajo como museo, galería, artista, crítico, revista, colectivo, sala de exposiciones. Impregnada en tintes contestatarios y luchadores, la página de Sitioweb defiende a capa y espada la libertad de expresión en la red y su objetivo es cobijar nuevas propuestas artísticas. Centro de Arte e Hispanart (creada en junio pasado) están dedicadas al arte español e iberoamericano. Art News se centra en el aspecto informativo.
Arte en Red
www.iua.upf.es/~baigorri/arte
Nettime, The Thing y Rizhome
www.desk.nl/~nettime.org
www.thing.net
www.rizhome.org
Redes latinas
w3art http://w3art.org
Sitio Web. www.sitioweb.com
www.centrodearte.com
www.hispanart.com
www.artnewsdigital.com
Otras
www.ctheory.com
www.adaweb.com
www.altx.com
Al otro lado del espejo
El espacio Net-Condition, surgido a finales del año pasado como fruto de la colaboración del MECAD español, el ZKM alemán y el NTT Intercomuniaction Center japonés, reúne diversas propuestas de arte en red o Net-art. Todas tienen en común la visión de los medios tecnológicos de comunicación y sus implicaciones humanas.
Por ejemplo, en Z, de Antoni Abad, el usuario se encuentra frente a la pantalla de un navegador en la que se posa, vuela y zumba una mosca, elemento activo fuera de contexto y fuera de control. Se refleja así, en palabras de Abad, "la imposibilidad de atrapar completamente el medio y sus elementos, que están dispersos por todo el caos de la red (del mismo modo que el caótico vuelo de la mosca por toda la pantalla). Por ello, en este proyecto, volar y navegar en internet son dos acciones que adquieren cierta similitud".
What you get, de Roberto Aguirrezabala, juega con las relaciones e identidades que se crean en el ciberespacio alrededor de chats y mensajes electrónicos. De entrada, nos encontramos dentro los buzones de correo electrónico de dos personajes ficticios que intentan comunicarse entre sí. Podemos manipularlos, abrirlos, enviar mensajes nuevos. A medida que navegamos, nuestros movimientos son registrados en una base de datos para configurar un perfil de identidad. "Después de una primera etapa, el usuario accede a una comunidad virtual donde se encuentra con los perfiles de los visitantes más afines a su personalidad...", apunta su autor. El objetivo último de este trabajo es "fomentar la discusión abierta y llevar al usuario a reflexionar sobre la ilusión de la identidad real y sobre los estereotipos (virtuales)", añade.
Otro de los trabajos visitables en la web de MECAD (www.mecad.org) es Referencias. Según nos explica su autor, Ricardo Iglesias, "el usuario se enfrenta con un sentido de búsqueda y respuesta, de vueltas y revueltas, en diferentes espacios virtuales dentro de un laberíntico sistema de links... Cada usuario crea su propio recorrido, nunca sabemos dónde comienza y dónde termina".
Inspirada en esta misma idea y ya fuera de Net Condition, una de las obras más interesantes y novedosas es la web del grupo artístico-activista Hell, de origen desconocido. Cada pocos días sus páginas son renovadas con diseños impactantes que invitan a la exploración de las mentes cibernéticas de sus autores. En Hell, rara vez repetiremos el mismo camino dos veces. Además, la obra se nos va abriendo más y más a medida que nos adentramos en ella, recompensando el interés de sus navegantes. El acceso a la web, eso sí, no es tan sencillo. Es necesaria una pequeña dosis de paciencia y tozudez, la sorpresa está garantizada. (www.hell.com)
Alessandro Bavari. Proyecto fundamentado en la obra de Giotto, Beato Angelico y Masaccio, e influido por los delirios de Bosh, el arte gótico y los pintores flamencos. e-mail: abArt@bmnet.it
Festivales anuales
Dedicados a dar a conocer las tendencias actuales de la cibercultura, los festivales internacionales de arte y tecnología son un excelente lugar de encuentro para el intercambio de ideas y la puesta al día de sus participantes. Suelen ser con carácter anual y todos ellos albergan exposición de obras, conferencias y una sección de competición en la que se premian los trabajos más representativos.
Los pioneros son: Ars Electrónica (Austria). El próximo mes de septiembre celebrará en Linz su decimocuarta edición. Sus premios, los Golden Nica, son los más codiciados, por su prestigio y sobre todo por su generosa dotación económica: 96 mil dólares repartidos este año en cinco categorías. Éstas son Arte Interactivo (para Rafael Lozano Hemmer por su Alzado Vectorial), Net (para el escritor Neal Stephenson), Animación por Ordenador (para el checo-canadiense Jakub Pistecky), Efectos Especiales (para el francés Christian Volckman) y Músicas Digitales (para el trabajo 20 to 2000, de Carsten Nicolai).
Siggrapph (Estados Unidos). De carácter itinerante, esta feria es la más importante del continente americano. Marcada por un carácter cada vez más comercial, reúne a las grandes empresas de la computación nacidas en el país vecino, actuando como lugar de presentación de las más punteras innovaciones tecnológicas. En sus tiempos, hace unos diez años, fue aquí donde comenzaron a difundirse las primeras ideas de la cibercultura, que invitaba a los artistas a utilizar la tecnología como herramienta de contracultura.
Imagina (Mónaco). El título de su XV edición, celebrada en febrero, fue "¡Cyber-Bang!", dedicada a los usos futuros de imágenes y servicios en la autopista de la información. Según palabras de su presidente, Philiph Queau, "la explosión de la economía virtual está empezando a forjar una nueva sociedad... Todos los ingredientes para una revolución radical están servidos: comunicación instantánea y ubicua de la información con alto valor añadido, reproductividad de imágenes y sonido a costos bajísimos, interfaces de navegación creativos y poderosas terminales. Al ser planetaria y sincronizada, esta revolución anuncia novedades sin predecentes... La realidad virtual se hace global y el mundo se virtualiza..."
Art Futura (España). Nacido hace 11 años en Barcelona, el festival prepara para finales de noviembre su nueva edición, centrada en Internet como organismo vivo. Al igual que los dos años anteriores, Sevilla será el escenario que en 1999 reunió a creadores como el francés Moebius o el joven equipo de Industrial Light and Magic, fábrica estadunidense de efectos especiales de películas como La amenaza fantasma. El plazo para participar en su sección oficial de infografía está abierto a artistas de todo el mundo. (Las bases para participar pueden encontrarse en su página www.artfutura.org).
Arte activista
En febrero de este año, el grupo Etoy anunciaba su victoria en la web, tras largos meses de lucha dentro y fuera de internet contra el gigante comercial Etoys. El conflicto surgió cuando la corporación estadunidense de venta de juguetes on-line se propuso comprar el dominio (web) de este pequeño grupo de artistas europeos, alegando que perdían una cantidad importante de visitas (y de ventas) por las personas que se equivocaban a la hora de escribir la URL. Etoy rechazó la oferta, por considerar que su nombre era el sello de su identidad artística y estaba fuera de cualquier posibilidad de especulación económica. La respuesta de Etoys fue conseguir que un juzgado de Estados Unidos suspendiera la web de Etoy, que siguió sin embargo operando en la clandestinidad para rebelarse y difundir a los cuatro vientos las injustas artimañas del Goliat. Fue la llamada Toywar o Guerra de los Juguetes, una brillante muestra de activismo mediático guiado por fines artísticos. Finalmente, el juzgado resolvió la apelación en favor de Etoy.
Otros colectivos centran su batalla en temas más específicos, como Art Aids, un espacio creado en 1994 para trabajos digitales relacionados con el sida y para intercambiar experiencias, deseos y preocupaciones. El ciberfeminismo es el tema central de Estudios On Line sobre Arte y Mujer, con una extensa selección de textos y convocatorias. En la misma línea aunque con un toque más subversivo, el grupo Guerrilla Girls ataca en sus trabajos para la red el sexismo y racismo culturales.
El arte como crítica política articula la revista Flashpoint y el veterano Irational.org, dedicado a cuestiones artísticas, teóricas y sociales "políticamente dudosas". La denuncia del racismo, la xenofobia o la discriminación sexual están en la diana de los artistas de Group Public Project. La sátira sociopolítica apoyada en viejas y nuevas tecnologías es la línea de acción de Survival Research Laboratories, grupo creado en 1978 por Mark Pauline. Con un discurso especialemente ácido, Potatoland entra en las cuestiones más candentes del activismo. Los trabajos del yugoslavo Andrej Tisma arremeten contra los pilares del consumismo (MacDonalds, Coca-Cola, los regalos navideños...).
Lidereado por el valenciano Daniel G. Andújar, el grupo Technologies to the People nace como movimiento artístico en Internet, fundado en los principios de Electronic Civil Disobedience (Desobediencia Civil Electrónica). Una de sus últimas propuestas es el mordaz Street Access Machine, un lector de tarjetas de crédito para que los mendigos callejeros puedan recibir sus limosnas de manera digital y no queden marginados en la sociedad "global" de la tecnología.
Etoy: www.etoy.com
ArtAids: http://filament.illumin.co.uk/artaids
Especializada en la creación de juegos y publicaciones on-line, la editorial española cibertextos se decidió este año a impulsar su ya veterana revista sobre cibercultura con una zona para exposiciones periódicas sobre arte digital que registra una media de 750 mil páginas vistas al mes. A mediados de julio se inauguró la muestra 10 Ciberlatinos, centrada en personajes clave de la cibercultura en español y visitable sólo a través de Internet.
"Hasta ahora, lo latino se ha mirado desde las vanguardias con un cierto prejuicio, más interesadas en lo que se cocía en Londres, Berlín o Nueva York, que lo que ocurría en Bogotá, Buenos Aires o en México, DF. Sin embargo este grupo de creadores demuestra que la cultura digital en español no tiene nada que envidiar a la que se hace en otras latitudes no-hispanoparlantes", explica Alex Lamikiz, director de la revista Bitniks.
Más enfocados a la producción artística, están presentes el mexicano Rafael Lozano Hemmer y el colombiano Santiago Echeverry, creador de la divertido historia interactiva El juego de la estafa. Como representantes de instituciones especializadas en arte electrónico, están el argentino Gastón Lauge, fundador de la galería virtual Artecenter, el cubano Abel Casaus, promotor del salón de Arte Digital de Cuba (una selección de las obras exhibidas aquí está recogida en el Cibermuseo de Bitniks), y la uruguaya Alicia Haber, directora del museo virtual Muvatason, un hermoso ejemplo de museo creado en y para la red. Desde una iniciativa más empresarial, otro de los invitados a la muestra es el argentino Charly Alberti, director de Cybrel Digital Entertaiment, un portal de música en internet.
Otra de las muestras visitables en el Cibermuseo de Bitniks es una selección de los mejores trabajos presentados a lo largo de las dos ediciones del Salón de Arte Digital en Cuba, organizado por el centro cultural Pablo de la Torriente Brau (La Habana). Según Victor Casaus, cineasta y miembro del jurado de la segunda edición de la competición, "las imágenes están ahí, en paredes y pantallas, para preguntarnos y para que les preguntemos. Comencemos entonces ese diálogo brindando por el arte y por la tecnología, es decir, por el ser humano que los hace posibles, capaz de expresar sus sueños y sus angustias rayando signos en las paredes de una cueva o dándole significados a los trazos que aparecen en una pantalla iluminada".